Gallerie d’Italia Napoli/ Angelica Kauffmann e Élisabeth Louise Vigée Le Brun: il diritto di diventare ciò che si è

Kauffmann e Vigée Le Brun sfidarono un mondo che aveva già assegnato alle donne il loro posto. Alle Gallerie d’Italia di Napoli, in mostra due vite, due modi di fare dell’arte uno spazio di libertà.
Forse una delle aspirazioni più profonde dell’essere umano è diventare ciò che sente di poter essere: immaginarsi oltre il presente, seguire un talento, rifiutare un’esistenza già scritta.
Ma tra il desiderio e la sua realizzazione si interpone la storia. Ogni epoca traccia i propri confini, stabilisce ciò che è ammesso e ciò che è sconveniente: famiglia, educazione e convenzioni assegnano a ciascuno un posto prima ancora che possa sceglierlo. Siamo allora liberi di diventare ciò che desideriamo essere? La domanda è antica, eppure sorprendentemente moderna. E diventa più radicale quando, tra Settecento e primo Ottocento, a porsela è una donna.
È in questa distanza fra ciò che si è chiamati a essere e ciò che si sceglie di diventare che si incontrano Angelica Kauffmann ed Élisabeth Louise Vigée Le Brun: due maestre capaci di fare del ritratto e della pittura non soltanto un mestiere, ma la prova della propria esistenza nel mondo.
Due donne davanti alla storia
La mostra Angelica e Élisabeth. L’età delle donne pittrici, aperta alle Gallerie d’Italia di Napoli dal 6 novembre 2026 al 7 marzo 2027, le pone per la prima volta direttamente a confronto. Curata da Francesco Leone, Fernando Mazzocca ed Elisabetta Rasy, la rassegna riunisce oltre 70 opere provenienti da importanti collezioni internazionali.
Ma il percorso va oltre il semplice accostamento di due biografie. Kauffmann (1741–1807) e Vigée Le Brun (1755–1842) furono donne colte, indipendenti e cosmopolite, capaci di affermarsi nelle corti d’Europa in un mondo dell’arte dominato dagli uomini. Considerarle soltanto eccezioni, tuttavia, significherebbe ricondurle proprio a quel limite che seppero oltrepassare.
Non chiedono di essere ammirate perché donne, ma di essere giudicate come artiste. La loro storia nasce dentro un limite imposto dalla società, ma non si lascia definire da quel limite. È nella qualità della loro pittura, nella varietà dei soggetti affrontati e nella consapevolezza con cui costruirono la propria immagine pubblica che si misura la loro statura. Forse è proprio qui che la loro vicenda torna a parlarci.

Il volto e il desiderio di memoria
All’inizio del percorso, lo sguardo incontra i busti dedicati alle due protagoniste. La loro presenza introduce subito un tema che attraverserà l’intera mostra: il rapporto tra immagine, identità e memoria.
Il busto di Angelica Kauffmann, eseguito nel 1808 Johan Peter Kauffmann, pare supervisionato dallo stesso Canova, ne restituisce le sembianze secondo i canoni di un severo classicismo ideale. La compostezza dei lineamenti e l’impianto monumentale conferiscono alla figura un’autorevolezza che sembra quasi consacrarla a divinità tutelare delle arti. La compostezza dei lineamenti e l’impianto monumentale conferiscono alla figura un’autorevolezza che sembra quasi consacrarla a divinità tutelare delle arti.
A questa immagine risponde il ritratto in terracotta di Élisabeth Vigée Le Brun, modellato da Augustin Pajou nel 1783. Qui la materia sembra animarsi nei riccioli liberi, nella mobilità dei tratti e nello sguardo intensamente espressivo di una donna immersa nella vivacità intellettuale della Parigi prerivoluzionaria.
Due sculture, dunque, e due differenti modi di affidare un volto alla memoria. La prima tende all’idealizzazione, la seconda conserva qualcosa della vitalità individuale. Entrambe, però, fanno più che documentare due fisionomie: sottraggono un volto al tempo e lo consegnano alla memoria.
È qui che affiora una delle domande più profonde della mostra: chi ha avuto, per secoli, il diritto di essere ricordato?
Se la memoria pubblica ha a lungo riflesso le gerarchie del potere, celebrando re e condottieri, le effigi di queste due artiste raccontano la conquista di un volto pubblico, riconoscibile, autorevole. Ma sarà soprattutto attraverso gli autoritratti che emergerà un passaggio ulteriore: non essere soltanto rappresentate, ma scegliere come rappresentarsi.
Perché proprio Angelica ed Élisabeth?
L’incontro fra queste due maestre è tanto fertile quanto rivelatore: due sensibilità diverse, per molti versi opposte, eppure capaci di illuminarsi a vicenda.
Angelica Kauffmann appare come un’artista dalla vocazione intellettuale. La sua cultura spaziava dalla filosofia alla musica e sulla tela seppe misurarsi non soltanto con il ritratto, ma con la pittura di storia, il genere allora ritenuto più nobile e riservato quasi interamente agli uomini. I temi mitologici e letterari, da Omero a Shakespeare, le offrirono l’occasione di trasformare la conoscenza in invenzione pittorica.
Élisabeth Vigée Le Brun affidò invece soprattutto al ritratto la propria ricerca, facendo del volto il luogo privilegiato della rappresentazione. Il legame con Maria Antonietta è soltanto il vertice più celebre di una carriera internazionale che la portò a ritrarre l’aristocrazia europea e a trasformare il ritratto in una rappresentazione dello status, ma anche della presenza individuale. Nelle sue opere, l’immagine del rango sociale non esclude la ricerca della personalità: abiti, atteggiamenti e sguardi concorrono a definire l’individualità dei soggetti.
Non si tratta, dunque, di contrapporre rigidamente due generi. Anche Kauffmann fu ritrattista e Vigée Le Brun si confrontò con l’allegoria e con composizioni di respiro monumentale. La differenza riguarda piuttosto il centro della loro ricerca: nella prima, la costruzione intellettuale e narrativa dell’immagine; nella seconda, la presenza individuale e psicologica.
Da una parte il mito, l’allegoria, la grande narrazione; dall’altra il volto, la presenza, l’individuo. Due accenti diversi, due modi di conquistare quello spazio dell’arte che la storia sembrava aver destinato ad altri.
L’approdo a Napoli: il cuore della ricerca
La scelta delle Gallerie d’Italia di Napoli non prosegue soltanto una linea di ricerca che il museo dedica da anni alla presenza femminile, dopo le mostre su Artemisia Gentileschi (2022-2023) e Donne nella Napoli spagnola: risponde anche a una precisa necessità storica. Napoli fu infatti un luogo significativo nella vicenda biografica e artistica di entrambe le pittrici, anche se in momenti e circostanze differenti.
Angelica Kauffmann legò il proprio nome alla corte borbonica a partire dal 1782, sotto la protezione della regina Maria Carolina d’Asburgo-Lorena. A Napoli realizzò il monumentale ritratto della Famiglia di Ferdinando IV (1783). Il clima culturale alimentato dalle scoperte di Pompei ed Ercolano offrì alla sua pittura nuova materia: l’antico non fu soltanto un repertorio di forme da riprodurre, ma una fonte di suggestioni da rielaborare attraverso la sensibilità neoclassica. Nei temi mitologici e letterari, la misura della composizione si accompagna così a una grazia attraversata da una sottile malinconia.
Élisabeth Vigée Le Brun approdò a Napoli pochi anni dopo, nel 1790, in fuga dalla Rivoluzione francese. Accolta dall’aristocrazia e dalla famiglia reale, fece del soggiorno napoletano una stagione felice della propria pittura. Fu qui che ritrasse Emma Hamilton nelle vesti della Sibilla o di una baccante. La trasformazione della modella in figura mitologica le consentì di esplorare una rappresentazione nella quale teatralità, movimento e presenza individuale si fondono. Emma Hamilton non è soltanto una donna ritratta: attraverso la posa e l’allegoria diventa interprete di un’immagine.

Napoli diventa così qualcosa di più di uno sfondo. È il luogo in cui due percorsi diversi entrano in rapporto con uno dei grandi centri della cultura europea del tempo. E invita a spostare ancora una volta la domanda: non più soltanto quali donne siano state dimenticate, ma come la storia dell’arte abbia costruito la propria memoria e attraverso quali criteri continuiamo a leggerla.
Se Artemisia Gentileschi ha contribuito a mettere in discussione una narrazione prevalentemente maschile, con Kauffmann e Vigée Le Brun lo sguardo si sposta nel cuore del Settecento europeo, fra gli ultimi decenni dell’Antico Regime e l’emergere di una nuova società. Non siamo ai margini della storia dell’arte, ma dentro di essa, osservata da un punto di vista diverso.
Oltre l’emancipazione: che cosa cambia nella pittura?
Insistere soltanto sulla condizione femminile delle due pittrici rischierebbe di rinchiuderle dentro un nuovo confine, riducendo la loro storia alla conquista di uno spazio fino ad allora prevalentemente maschile. Superare una barriera sociale non basta, da solo, a determinare la grandezza di un’artista. La domanda decisiva è un’altra: che cosa videro Angelica ed Élisabeth che gli altri non vedevano nello stesso modo?
Bisogna allora tornare davanti ai quadri. Nella pittura di Kauffmann, il mito e la letteratura diventano il terreno di una ricerca colta e raffinata. In Circe seduce Ulisse e Venere e Adone (1786) la scelta dei soggetti mitologici non si esaurisce nella trasposizione di episodi conosciuti. Il racconto offre alla pittrice la possibilità di misurarsi con sentimenti, passioni e conflitti, ricomponendoli entro l’equilibrio della sensibilità neoclassica. La tensione narrativa non scompare, ma viene ricondotta a una misura compositiva nella quale il gesto e l’espressione partecipano a un’idea di armonia.

Un’altra possibilità si manifesta in Domenica Morghen e Maddalena Volpato come Muse della Tragedia e della Commedia (1791). Qui il ritratto incontra la costruzione simbolica: le due donne non sono soltanto riconoscibili nella loro individualità, ma vengono rappresentate attraverso gli attributi e i gesti che le associano alla cultura teatrale. La loro presenza si colloca così tra identità personale e figura allegorica. Kauffmann non rinuncia al ritratto, ma lo amplia, trasformandolo in una rappresentazione della cultura stessa.
Con Vigée Le Brun il baricentro si sposta sul volto e sulla presenza. Nel Ritratto della figlia (1792) la relazione affettiva sembra trovare espressione nella posa meno rigida, nella morbidezza delle vesti e nella spontaneità del volto. L’immagine non si limita a restituire una somiglianza: lascia emergere una vicinanza, una tenerezza che attenua la distanza propria del ritratto ufficiale.

Nel Ritratto della baronessa di Crussol (1785), invece, la veste rossa, la postura di trequarti e lo sguardo fiero concorrono a costruire un’immagine di forte presenza. L’abito comunica lo status della donna, ma non la esaurisce: il portamento e l’espressione le conferiscono una personalità riconoscibile. Il ritratto diventa così il luogo in cui la rappresentazione sociale incontra l’identità individuale.
Quando poi Vigée Le Brun si misura con l’allegoria, come ne La Pace che fa ritornare l’Abbondanza (1780), la sua pittura acquista un respiro monumentale e si confronta con una dimensione simbolica che va oltre la singola fisionomia.
Le opere mostrano dunque quanto sia riduttivo confinare Kauffmann al mito e Vigée Le Brun al ritratto. Le loro ricerche si incontrano e si attraversano, pur mantenendo accenti distinti. Due modi di vedere, dunque, prima ancora che due modi di dipingere. Ed è davanti alle opere che la conquista di uno spazio si rivela anche come conquista di un linguaggio.
Guardarsi per decidere chi essere
I due autoritratti provenienti dalle Gallerie degli Uffizi costituiscono uno dei nuclei più intensi dell’esposizione. Qui il tema della rappresentazione, già affiorato attraverso i busti e i ritratti, trova la sua espressione più consapevole.
Nel 1787 Kauffmann realizza l’Autoritratto in veste di Musa della Pittura. La tavolozza, i pennelli e lo stilo in mano non sono semplici strumenti di lavoro: diventano attributi attraverso i quali l’artista dichiara la propria appartenenza alla pittura.
La posa solenne e l’immagine idealizzata la presentano non come semplice artefice, ma come Musa della Pittura, elevando il mestiere a dichiarazione intellettuale e simbolica. Kauffmann sceglie di rappresentarsi attraverso il valore intellettuale e simbolico della propria attività.
Due anni dopo, nel 1789, Vigée Le Brun dipinge il proprio Autoritratto: abiti da lavoro e insieme eleganti, lo sguardo rivolto allo spettatore, un sorriso appena accennato, mentre il pennello posa gli ultimi tocchi sul ritratto di Maria Antonietta. La sua identità di artista si manifesta nel gesto stesso del dipingere. Non si presenta attraverso un’allegoria, ma attraverso il proprio mestiere, mostrando il rapporto diretto tra sé, la tela e chi la osserva.
Le date sono vicinissime, le personalità distanti. Ciò che le accomuna è la consapevolezza del gesto: entrambe governano la propria immagine pubblica attraverso la rappresentazione del proprio lavoro.
Qui il cerchio si chiude. All’inizio avevamo incontrato due donne dentro una società che tracciava confini; ora sono loro a guardarci. L’artista è insieme colei che osserva e colei che viene osservata, autrice e soggetto. L’autoritratto supera la somiglianza fisica e diventa dichiarazione di presenza.
Senza attribuire alle due pittrici categorie politiche che appartengono al nostro tempo, possiamo riconoscere in quelle immagini una fiera coscienza di sé, quasi un’affermazione silenziosa: «Questa sono io. E sono io a decidere come apparire al mondo».
Dal volto alla coscienza
A questo punto anche i volti incontrati lungo il percorso assumono un significato diverso. Il volto non è più soltanto ciò che permette agli altri di riconoscerci, ma il luogo in cui un’identità prende forma. Nei ritratti e, soprattutto, negli autoritratti, Kauffmann e Vigée Le Brun non chiedono soltanto di essere guardate: affermano il diritto di scegliere come mostrarsi.
È qui che le due pittrici escono dalla categoria delle “donne artiste” per raggiungere una dimensione più universale.
Il loro dilemma, in fondo, è anche il nostro: quanto della nostra identità riceviamo dagli altri e quanto costruiamo da noi? Quanto delle nostre aspirazioni dipende dalle possibilità che il mondo ci concede? E che cosa accade quando ciò che sentiamo di poter essere non coincide con ciò che gli altri si aspettano da noi?
La grandezza delle due pittrici non offre risposte teoriche, ma due esistenze concrete: due carriere internazionali, due protagoniste riconosciute della cultura del proprio tempo, capaci di trovare spazio nelle corti e nelle istituzioni europee senza rinunciare alla coscienza del proprio valore.

Forse la libertà non consiste soltanto nell’avere un sogno. Consiste nel difendere il proprio desiderio da ciò che vorrebbe ricondurlo a una forma già scritta, nel conquistare lo spazio necessario perché l’immaginazione possa diventare vita.
Angelica Kauffmann ed Élisabeth Vigée Le Brun quello spazio lo hanno costruito con il talento, la professionalità e la coscienza di sé.
Alla fine restano due volti. Due donne che guardano chi le osserva. Due autoritratti, separati da pochissimi anni. E due modi diversi di pronunciare la stessa, modernissima affermazione: io sono qui.
(1.continua)